Musik-CDs

irgendwann kommt da etwas langeweile auf.
die platte kann man aber gut an kalten herbstabenden oder sonntags morgen zum frühstück hören, wenn man was braucht was nicht nervt und vor sich hin dudeln kann.

Fazit: Ganz ok, kein Muss

brillante Abschiedsplatte eines genialen Saxophonisten      5 von 5 Punkten
Selten sind sich Kritiker einig darüber, dass der große Tenorsaxophonist nicht nur im Juli 1987, sondern auch im Juni 1991 im Kopenhagener Cafe Montmartre besonders hochgelobte Konzertabende dem Publikum schenkte, obwohl er zwar gesundheitlich schon angeschlagen, dennoch musikalisch sein Allerbestes gab. Denn kaum drei Monate nach den letzten Montmartre-Gastspielen verstarb der Klangmagier am 6. Juni 1991 im heimischen Malibu/Los Angeles County. Die Alben "Anniversary", "Serenity" und das mit Kenny Baron eingespielte Duo-Doppelalbum "People Time" werden von der Fachpresse als Sternstunden seines höchstvirtuosen Könnens allerorts hochgelobt - bis heute. Eben jene drei Alben werden zu Recht in einem Atemzug mit den Klassikern genannt, die Getz in den 50er und 60er Jahren einspielte, als er auf dem Höhepunkt seines künstlerischen Schaffens stand.

'Stan Getz - Cafe Montmartre' bietet nun einen über 70 Minuten langen Zusammenschnitt aus den beiden Konzerten. Es sind überirdische Aufnahmen aus Getz' vielleicht besten Livealben. Exzellent nicht nur dank der herausragenden Darbietungen aller beteiligen Ausnahmemusiker wie Kenny Baron (p), Rufus Reid (b) und Victor Lewis (dr), sondern auch wegen des ausgesprochen originellen Repertoires: 'People Time', 'I Thought About You, Soul Eyes', 'I Can't Get Started', 'I'm Okay', 'Falling In Love', 'I Remember Clifford', 'Blood Count' und 'First Song (For Ruth)'.

Irgendwo las ich mal bei Tolstoi, dass Musik die Stenografie der Gefühle sei. Wenn das stimmt, dann war Stan Getz ein fast überirdischer Stenograf.

SPIRIT OF RADIO, einer von Rushs größten Publikumsklassikern, leitet das lose Konzept des Albums über Meinungsfreiheit und Freiheit der Musik ein. Eine solide und absolut süchtig machende Hard Rock-Nummer mit coolen Reggae-Einlagen am Ende (welche die eben erwähnte Freiheit zum Ausdruck bringen). Zum Schluss gibt es noch das witzig verdrehte Simon & Garfunkel- Zitat aus "The Sound of Silence": "And the words of the profit were written on the subway walls", das Kritik an der zunehmenden Kommerzialisierung der Radioprogramme ausdrücken soll.
Es folgt das von Drummer Neil Peart rhythmisch herrlich abwechslungsreich gestaltete FREEWILL, das natürlich auch einen Klassiker mit Geddy Lees abartig hohen Gesang in der großartigen Headbridge beinhaltet. Seither jubeln die Fans bei Konzerten schon in begeisterter Vorfreude, wenn die ersten Töne von FREEWILL angestimmt werden...
JACOB'S LADDER ist nach dem Phänomen durchbrechender Lichtstrahlen durch Wolken benannt und versucht, dies musikalisch auszudrücken - ein erfrischend unkonventionell aufgebauter Song mit wundervoller Struktur, einem verzaubernden Spiel mit Energie und voller Magie - beeindruckend und absolut zauberhaft!
Zwei ruhige Songs folgen - mit ENTRE NOUS, das Lyrics- Autor Neil Peart als Ausdruck des Verhältnisses zwischen Band und Publikum sieht, und der Halbballade DIFFERENT STRINGS mit einem coolen Groove und Alex Lifesons einzigartigem Gitarrensolo. Die Lyrics zum Song stammen übrigens ausnahmsweise nicht von Neil Peart, wie es fälschlicherweise im Booklet heißt, sondern von Geddy Lee.
Das epische Meisterwerk NATURAL SCIENCE mit seiner beeindruckenden Durchentwicklung und absolut erhabenen Instrumentalparts schließt dieses einzigartige Album ab.

"Permanent Waves" ist ein unvergleichbares Meisterwerk gespickt mit unendlich vielen Ideen und musikalischer Innovation in einer knackig rockigen Verpackung, genau zwischen den epischen Longtracks der 70er und aufkommenden Keyboardsounds der 80er. Es ist wohl eines der Werke, die Bands wie Dream Theater am meisten geprägt und beeinflusst haben.

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Interessant ist noch an zu merken, wie in der 80er-Jahre-Phase der Band immer mehr Sound-Effekte eingebaut werden und die Produktion an sich auch immer "fetter" wird. Am eindeutigsten lässt sich diese Stegerung an den Alben "Worlds Apart" (1981), "Heads or Tales"(1983) und "Behavour" (1985) beobachten.
Alles wird immer keyboard-betonter, die Gitarrensounds sind eher dünn geraten. Das verleiht dem Ganzen dann diese typische 80er "Miami-Vice-Stimmung".

Man bekommt hier also eine hübsche Mischung aus hoch-qualitativer Pop-Musik und Rock-Einlagen, schonend garniert mit Neo-Prog-Elementen. Sicherlich ein guter Einstieg für Prog-InteressentInnen und die "Radio-Tauglichkeit" bleibt auch nicht auf der Strecke.

Für mich als Proggie und Genesis-Fan aber melodisch und strukturell eher etwas zu dünn geraten...

MUSIK TOP - SOUND SCHLECHT      4 von 5 Punkten
Ich kann meinen Vor-Rezensenten nichts nennenswertes hinzufügen, SAGA-WORLDS APART ist bezogen auf die Songauswahl einem Best of Album vergleichbar. Der Sound ist aber eine Zumutung - keine Dynamik, keine Bässe. Ich bin zwar persönlich in der Lage, die Klangqualität mit Hilfe eines Equalizer-ähnlichen Zusatzgerätes aufzubessern. Wer das aber nicht hat, wird über den Sound enttäuscht sein. Mangels Digital Remastering und einer der Musik entsprechendem Gestaltung des Booklets kann ich nur vier Sterne vergeben.

Ein Hall of Fame - Album der Rockgeschichte!      5 von 5 Punkten
Die einstigen Rockgiganten haben mit Ihren Zahlreichen Alben den Fans ein umfangreiches Vermächtnis geschaffen, zu dem auch nach dem 30jährigen bestehen 2006 gewiß noch einiges hinzukommt.
Der funkelnste Brilliant darunter ist unbestritten das WORLDS APART Album. Auf keinem anderen Album sind so viele Werke die an Perfektion grenzen wie hier. Der für heutige Saga-Verhältnisse gigantische Verkaufserfolg des Lifealbums "In Transit" beruht zum großen Teil auf den endgültigen Durchbruch mit WORLDS APART. Anfang der 80er konnten die Hallen nicht groß genug sein. All die, welche die 82er Welttour irgendwo miterleben durften (ich selbst in der Festhalle FRA) schwärmen noch heute. Und auch wenn die heutigen Konzerte nur noch vor 1000 - 2000 Fans statt dem 10fachen stattfinden, ist es noch immer ein Erlebnis. Lediglich der Altersdurchschnitt der Fans
gibt zu denken. Der ist in all den Jahren stetig mit nach oben gegangen. Saga bleibt eben seiner Linie treu und passt sich nicht den musikalischen Trends an, was den Erfolg bei den unter 25jährigen etwas hemmt. Zum Glück! Denn auch in den jüngerne Alben sind immer wieder Traumstücke dabei. Zwar nicht so viele wie auf der WORLDS APART, aber einen kauf rechtfertigen sie immer! Und spätestens wenn der große Rock-Revival beginnt und man auch bei den jüngeren die Schnauze voll vom Retorten-Pop hat, wird man dankbar für ein solch grandioses Vermächtnis sein!

 Weitere Kundenmeinungen

Mit gleicher Wucht geht es mit "Bridges burning" weiter - Waynes Stimme liegt klagend auf einem syphonisch- mittelalterlichen Grundsound und vermittlet eine Stimmung, wie es nur diese Band kann.

Als weiteres Highlight ist die per Streicherarrangement umgestaltete Version von "Garden of delight", welches schon auf dem Album "The first chapter" zu hören war.

In romantisch mythischen Songtexten bringt die Band zum einen "gothisch" anhehauchte Lovesongs ("Love me to death") aber dann auch wieder Uptempo-Nummern wie "Sacrilege" zu Gehör - eigentlich haben sich The Mission bei diesem Album keine Schwächen geleistet.

Eine Perle      5 von 5 Punkten
Dieses Album von The Mission schlug bei mir als Freund guter New-Wave-Musik in der zweiten Hälfte der 80er Jahre wie ein Blitz ein. Die Stücke sind melodiös-schwungvoll und melancholisch zugleich. Man meint hier, Hit an Hit zu hören und staunt, daß es kein Best-of-Album ist. Klar, das muß man nicht nur als knisternde Schallplatte, sondern auch als CD haben.

Nicht Gerade Das Beste Von The Mission      3 von 5 Punkten
»Gods Own Medicine« gehoert nicht zu den besten The Mission-Alben.

Der Eroeffnungssong »Wasteland« scheint ein guter Beginn anzukuendigen - es ist ein geradeaus-Rocksong wie von The Mission bekannt... aber leider stellt es sich als die beste Nummer dieses Albums heraus.

Es gibt artistische Versuche, und einige davon sind durchaus erfolgreich, wie die Streicher auf »Garden Of Delight (Hereafter)«, die fast Heavy-Metallischen Gitarren auf »Sacriledge« sowie der einnehmende, konstante Rhytmus von »Dance On Glass«. Der letztgenannte ist eins der Hoehepunkte auf »Gods Own Medicine«, neben »Island In A Stream«, ein typischer The Mission-Song mit dessen leicht erkennbaren Gitarrenschlag.

Dieser typischer The Mission-Sound ist auch auf »Let Sleeping Dogs Die« zu hoeren, nur wird es dort ziemlich langweilig. Dasselbe gilt fuer den alles andere als originellen »And The Dance Goes On«.Alles in allem hinterlaesst »Gods Own Medicine« ein unzufriedenstellender Eindruck, nicht zumindest im Vergleich zu »Carved In Sand«, das klar das beste von The Mission bleibt.

Eine der guten CDs von The Mission      4 von 5 Punkten
Die CD „Gods own medicine" von The Mission aus dem Jahr 1986 war eine der ersten CDs von dieser einzigartigen Band, die ich mir kaufte. Danach folgten noch weitere sechs wirklich gute CDs. Auf der CD „Gods own medicins" haben es mir besonders die Stücke „Wasteland", „Sacrilege" und „Love me to death" angetan. Durch die durchdringende Stimme von Sänger Wayne Hussey bekommen die Songs einen schönen depressiven Ton, welche einen bis ins Innere ansprechen. Ob man „The Mission" nun als Rock oder allgemein als Independent bezeichnet ist egal. Hauptsache ist, daß die Musik gut ist und nichts mit der heutigen Computermusik zu tun hat. The Mission macht noch ehrliche Musik, d.h. sie machen ihre Musik noch selbst und nehmen dafür nur echte Musikinstrumente. (Dies ist eine Amazon.de an der Uni-Studentenrezension.)

Besser lässt sich der Stil dieses Albums kaum zusammen fassen: Unglaublich schöner Pop, allen voran das handwerklich perfekte 'Novacine for the Soul', der jedoch zu keinem Zeitpunkt seicht wird. Bei den Eels gibt es keine Fülltitel, es gibt keine holen, abgedroschenen "Do you love me as much as I love you"-Pop-Phrasen; was es gibt, ist ein Gesamtkunstwerk, dass jene, die sich darauf einlassen, nicht mehr los lassen wird.
'Beautiful Freak' ist aufgrund des eingängigen Pops und des weitestgehenden Verzichts auf große Experimente die wohl 'einfachste' Eels-CD, doch unter dieser einfachen, makellosen Schönheit liegt, wie eingangs erwähnt, ein starker Schmerz, der das Album davor bewahrt, in Kitsch und Oberflächlichkeit zu versinken:

Wenn Everett da in 'Not Ready Yet' singt:

"There's a world outside
and I know, 'cause I've heard talk.
In my sweetest dream,
I would go out for a walk.
But I don't feel I'm ready yet,
not feelin' up for it now."

Und weiß, dass er da unmissverständlich versucht, seiner Schwester Leid nachzufühlen, wird einem klar, dass auch wunderschöne Pophymnen Blues sein können.

Zusammenfassend kann ich jedem nur empfehlen, den Eels eine Chance zu geben, und dieses ihr erstes Album ist für den Einstieg bestens geeignet.

Uneingeschränkt empfehlenswert.

Meisterwerk der Neunziger Jahre      5 von 5 Punkten
Für mich gehört dieses Album zu den besten der Neunziger Jahre, aus verschiedenen Gründen. Zu allererst natürlich, weil es einfach ein geniales Album ist. Geile Musik und intelligente Texte. Aber auch, weil es nicht so verkommerzialisiert wurde, weil es keinen Hype gab und schon gar keine entwicklung, wie zum Beispiel nach Nirvanas Nevermind, so positiv diese Bewegung auch zu werten ist. Aber mit diesem Album ist es einfach anders. Kaum einer kennt dieses Album, und wer es kennt, der dann auch wirklich in und auswendig. Aussagen wie "Ja, dass habe ich ein paar Mal gehört. Aber nur nebenbei" wird man nicht hören. Entweder man kennt es oder nicht. Wer vielleicht nur zufällig auf die Musik stößt, sie aber nicht mag, der vergisst das Album schnell. Denn es ist nun mal kein Hit-Album, dass man allein schon aus den wöchentlichen Charts kennt. Eine Eigenart dieses Album ist es auch, dass es niemals bestimmte emotionale Stimmungen in mir hervorruft, sondern nur verstärkt. Wenn ich mich richtig gut fühle, dass macht es mich noch froher. Wenn ich aber traurig bin, dann werde ich noch depresiver. Im Grunde heißt dass, das man das Album immer hören kann, ob zum aufstehen oder zum einschlafen, ob auf einer Party oder zum kuscheln, zum Wut-Entladen oder bei absoluten Glücksmomenten. Von welchem anderen Album kann man das schon sagen. Da müsste man schon ganz tief in die Meisterwerk-Schublade greifen. Und genau da gehört dieses Album auch rein.

grandioses Debütwerk der Band um "E"      5 von 5 Punkten
In Zeiten der kommerziellen Musik, die meist nur eine kurze Lebensdauer hat, tut ein solches Album gut, dass insgesamt recht melancholisch und irgendwie im heutigen Musikleben eher unerwartet daherkommt. Aber lieder wie "Beautiful Freak", "My Belowed Monster" und "Flower" entwickeln durch ihre tiefsinnigen Texte und die Soundtüfteleien des Frontmanns "E" (Mark Oliver Everett) einen ganz eigenen Charme, der einen so schnell nicht mehr loslässt. Höhepunkt der Soundspielereien ist für mich klar der Song "Your lucky day in Hell", in dem die Titelmelodie des Computerspiels "DOOM" eingeflochten wurde. Fazit: Starkes Album einer genialen Band - für Fans ruhigerer Musik.

This is a brilliant album it rules      5 von 5 Punkten
I bought this album because of the single which was released from it'Novicaine for the soul'the first time i heard this song i was totally amazed by how meaningful the words were and it made me go out and buy the album.The album completely changed the way i looked at my life it made me think more about why we are here.So go and buy this album now or you will have me to answer too!

Free spielen durchgängig relativ langsamen, dafür aber kochenden Bluesrock in Bestform. Die Stücke entwickeln allesamt vor allem im zweiten Teil ihr wahres Temperament und reißen den Zuhörer in ihren Bann. Was der Titel "Get Where I Belong" auf diesem Album zu suchen hat, bleibt mir ein Rätsel. Erstens ist es eine Studioaufnahme, welche dummerweise auch noch in zwei verschiedenen Versionen vertreten ist; und zweitens passt er überhaupt nicht zum Rest der CD und wirkt einschläfernd. Ansonsten sind aber alle Titel (darunter eine Coverversion) absolute Highlights.

Das die Lieder bei zwei Konzerten im Jahr 1970 mitgeschnitten wurden, merkt man ihnen dank eines guten Remasterings kaum an. Der Sound ist klar und man kann alle Instrumente deutlich heraushöhren. Nebengeräuche sind nicht vorhanden.

Leider ist dies die einzige Live-CD von Free. Ich hätte mir gerne noch ein oder zwei andere zugelegt.

Eines der besten Live-Alben aller Zeiten !      5 von 5 Punkten
Wer auf saft- und kraftstrotzeneden Bluesrock steht kommt an diesem Album nicht vorbei. Sowohl die instrumentalen Fähigkeiten von Bassist Andy Fraser und Gitarrist Paul Kossoff als auch die gesanglichen Fähigkeiten von Paul Rodgers kommen auf diesem Album natürlich noch beeindruckender rüber als auf den Studio-Alben. Vorallem Kossoff muß sich keinen Arrangementwünschen des Autorenteams Fraser/Rodgers beugen und kann mal so richtig seiner Les Paul die Sporen geben. Allerdings beeindruckt er nicht durch Schnelligkeit oder technische Tricks, sondern durch Ton und Ausdruck. Auch der Sound ist dicht und voluminös, obwohl ja nur drei Instrumente plus Gesang vorhanden sind. Für mich neben Get Yer Ya-Ya's Out von den Stones, The Who Live At Leeds und Deep Purple's Made In Japan eines der besten und beständigsten Live-Alben aller Zeiten, zumal aus den frühen siebziger Jahren stammend, als Musiker sich noch nicht aufgrund technischer Hilfsmittel hinter ihren "Instrumenten" verstecken konnten. Als Anspieltipp sei jeder der acht Songs des Original-Albums genannt, sowie von den Bonustracks der neunminütige Slow-Blues "Moonshine".Die anderen Bonustracks sind okay, aber auch nicht weltbewegend neu oder anders.

Trotzdem recht gelungen und erfrischend anders gegenüber den neueren Alben (und besser als so manches danach).

Wer gerne Vangelis hört sollte mit dieser CD seinen Horizont erweitern

Eine derartige Hochform hat Gianna später nie wieder erreicht. Diese Scheibe hat alles (a l l e s !), was ein live-Album braucht. Nämlich: (i) gnadelos gute Titel. (ii) eine einheitliche Zusammenstellung, die den Zuhörern gar nicht merken lassen, dass er nicht die Originale hört, und (iii) Komplettheit, es ist (fast) jeder Hit dabei, den Gianna bis 1984 produziert hatte.

1984 war eine Art von Wendepunkt in der damaligen Rock- und Popmusik. Es kam die elektronische Musik auf, die Künstler haben experimentiert, die Musik wurde ganz anders, die knallharten Rocksongs und Rockballaden der 70er waren vorbei. Tutto Live zeigt noch einmal alles, was diese Periode zu bieten hatte.

Tutto Live ist bis heute die beste Platte, die Gianna je herausgebracht hat. Ein definitives "must-have-it"!

Einfach genießen      5 von 5 Punkten
Hat wirklich noch niemand "tutto live" kommentieren wollen. Dann tu ich es halt: Eine fantastische Zusammenennfassung der früheren Gianna mit so brillanten Songs wie America oder Waggon lits. Sicher ist es in letzter Zeit stiller um die italienische Rockröhre geworden, doch dieser Zusammenschnitt Mitte der 80er ist um das Vielfache bewegender als das, was uns gegenwärtig aus den Chart-Listen entgegenplärrt. Von Küblböck und Co. ganz zu schweigen. Kauft und genießt!!