DVDs: Ryan O'Neal

Regie bei Love Story führte Arthur Hiller (Zwei in Teufels Küche). Der Film endet ohne den stilistischen Auftrieb, der ihn zu einem der Filme gemacht hätte, den man auch Jahre später noch unbedingt hätte sehen müssen. Aber die Adaption der unkomplizierten und mit bewegenden Intentionen angefüllte Buchvorlage ist gelungen. O'Neal überzeugt als der nette Junge, der genauso starrköpfig wie sein Vater sein kann (gute Arbeit von Ray Milland), und Ali MacGraw schafft es, sich dem Zuschauer unter die Haut zu spielen. Der Zuschauer muss nur bei dem Satz "Liebe heißt, niemals um Verzeihung bitten zu müssen" aufpassen, dass er nicht anfängt zu lachen. Love Story wurde für den Oscar in den Gattungen Bester Schauspieler, Beste Schauspielerin, Beste männliche Nebenrolle, Beste Regie und Bestes Drehbuch nominiert. Einen Oscar erhielt der Film für die ebenfalls nominierte Kategorie Beste Musik. --Tom Keogh

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Durchschnittliche Gesamt-Bewertung: 4.5 von 5.00 Punkten (Insgesamt 13 Bewertungen)

Eigentlich belanglos - und doch ein Klassiker      5 von 5 Punkten
Der Inhalt dieses Films ist eigentlich in 10 Sekunden erzählt: zwei junge Menschen verlieben sich ineinander, verbringen eine kurze Zeit zusammen - bis der Tod das Pärchen trennt.

Eigentlich keine sehr aufregende Geschichte - eher banal und doch wurde der Film Kassengold und ist bis heute ein Klassiker.

Er lebt nämlich von der frisch-fröhlichen Schauspielleistung beider Hauptdarsteller und der grandiosen Filmmusik von Francis Lai.
Gut - manchmal schrammt der Film haarscharf am Kitsch vorbei, aber das soll es ja bei Liebesgeschichten geben... Man sollte sich auch vergegenwärtigen, dass der Film in den 70er-Jahren entstand, einer Zeit mit so einigen politischen Turbulenzen, und sich das Publikum solch eine Romanze als Gegenpol wünschte.

Merkwürdig finde ich, dass hier einige mit dem Filmsatz: "Liebe heisst, niemals um Verzeihung bitten zu müssen" Probleme haben. Mir erscheint der Sinn ziemlich klar, vielleicht sollte man den Satz abändern in "liebeN heisst...." - dann wird noch deutlicher, was gemeint ist....

Love Story zählt ganz klar zu den "Top-Five-Taschentuchfilmen" und wird ein Evergreen bleiben.

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Das blinde Verständnis zwischen Addie und Moses ist phänomenal -- allein die Tatsache, dass die Darsteller Vater und Tochter sind, erklärt dies nicht. Ryan O'Neal spielt großartig, und seine Tochter Tatum gewann für ihre Leistung einen Oscar für die beste Nebenrolle. Madeline Kahn war ebenfalls nominiert für ihre ebenso komische wie traurige Darstellung einer Tänzerin namens Trixie Delight.

Paper Moon bietet eine rührende Mischung aus schamloser Sentimentalität und pragmatischem Zynismus. Einer der besten Filme von Regisseur Peter Bogdanovich und in gewisser Weise das komische Pendant zu The Last Picture Show. --Bret Fetzer

Kundenmeinungen (Wiedergabe von Amazon.de, s.u.):
Durchschnittliche Gesamt-Bewertung: 5.0 von 5.00 Punkten (Insgesamt 5 Bewertungen)

Ein filmischer Hochgenuss      5 von 5 Punkten
"Paper Moon" ist ein Roadmovie der besonderen Art. Normalerweise bin ich kein Freund davon Filme in Schwarz-Weiß zu drehen, wenn die Möglichkeit besteht in Farbe zu drehen, aber bei "Paper Moon" ist es eindeutig ein Vorteil. Völlig zurecht hat Tatum O'Neal für Ihre Rolle den Oscar erhalten. Der Dialog zwischen Ryan und Tatum O'Neal in dem Restaurant gleich am Anfang vom Film ist ein Hochgenuss für jeden Cineast, und das ist nur einer von vielen guten Dialogen die im Film vorkommen. Ein Film der durch brilliante schauspielerische Leistungen und ein gutes Drehbuch besticht, beides Attribute die heute immer mehr den Spezial Effekten Platz machen. Leider hat man nach dem Film nicht mehr viel von Tatum O'Neal gehört. Ein anderer damaliger Kinderstar der in der kurzlebigen Serie "Paper Moon" (13 Folgen) mitspielte,nämlich Jodie Foster,wurde hingegen ein Weltstar. "Paper Moon" ist ein Filmhighlight die es in dieser Form heute nicht mehr gibt. Also, zurück lehnen Tüte Chips aufmachen und beides genießen.

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Wenn sich ein Regisseur mit seinem Werk nicht identifizieren kann und seinen Namen vom Projekt zurückzieht, dann versieht man selbiges mit dem Pseudonym der Regiegilde "Alan Smithee". "Die Hölle Hollywoods" ist eine scharfzüngige und irre lustige Satire über die Scheinwelt Hollywoods. Ein Haufen illustrer Stars geben sich hier ein Stelldichein: Eric Idle, Sylvester Stallone, Whoopi Goldberg, Jackie Chan, Naomi Campbell, Larry King, Billy Bob Thornton, Coolio und viele mehr. Regie führte Arthur Hiller, der allerdings... seinen Namen vom Projekt zurückzog.

Kundenmeinungen (Wiedergabe von Amazon.de, s.u.):
Durchschnittliche Gesamt-Bewertung: 3.0 von 5.00 Punkten (Insgesamt 1 Bewertung)

So la la      3 von 5 Punkten
Der als Fake-Doku angelegte Film besteht fast ausschließlich aus nachgestellten Interviews, in denen die Darsteller krampfhaft unlustige Wortspiele vortragen müssen, begleitet von einigen visuellen Gags.Es war zwar ein netter Ansatz für eine Satire, aber dieser Ansatz hat natürlich keine Chance gegen die langweiligen Dialoge und die einfallslose Inszenierung. Es bleibt die Frage, warum Die Hölle Hollywood! überhaupt auf den Zuschauer losgelassen wird. Aber vermutlich waren die Namen der Gaststars (Sly, Whoopi und Jackie) zu groß, um ihn im Keller des Produzenten verschimmeln zu lassen. Im Großen und Ganzen gibt es schlimmeres und man sollte ihn mal gesehen haben.

Diese Einschätzung wirkt wie ein Echo der Reaktionen, die Kubricks Verfilmung von William Makepeace Thackerays Roman Die Memoiren des Junkers Barry Lyndon 1975 bei seiner Erstaufführung hervorrief. Sie ist den Ruf, zu lang und viel zu kalt zu sein, nie wirklich losgeworden, und selbst diejenigen, die dieses ausufernde Werk schätzen, sehen in ihm meist nur ein faszinierendes Experiment. Doch Barry Lyndon ist viel mehr als nur das, es ist ein durch und durch einzigartiger Film, ein geradezu titanisches Opus, das keinerlei Konzessionen an den Zuschauer macht.

Auf den ersten Blick ist die Geschichte von Redmond Barry (Ryan O'Neal), der nach Jahren voller Abenteuer und Betrügereien die Witwe Lady Lyndon (Marisa Berenson) heiratet und als Barry Lyndon zu Geld und Ansehen kommt, um schließlich tief zu fallen, ein klassischer Stoff für großes historisches Kino. Und in gewisser Weise bedient Stanley Kubrick dieses Genre auch mit den aufwändigen Schlachtszenen aus dem Siebenjährigen Krieg, den beiden Duellen, die Barrys Lebensgeschichte beinahe einzurahmen scheinen, den Liebesabenteuern seines (Anti-)Helden und der so schwelgerischen wie verschwenderischen Ausstattung. Aber Kubrick wäre eben nicht Kubrick, würde er nicht auch hier den Rahmen des Genres sprengen und den Konventionen seine Vision entgegenhalten.

Der Vorwurf der Kälte resultiert aus der Distanz, die Kubrick zwischen Thackerays Geschichte und seiner Adaption aufbaut. Kein anderer historischer Film zuvor hat die von ihm behandelte Epoche mit solch einer akribischen Versessenheit rekonstruiert wie Barry Lyndon -- und auch kein Film nach ihm. Selbst Martin Scorsese, der andere große Perfektionist des modernen Kinos, ist bei Zeit der Unschuld nicht annähernd so weit gegangen wie Kubrick hier.

Nur dienen der ungeheure Aufwand und die Technik, die es Kubricks Kameramann John Alcott ermöglichte, seine Bilder in das Licht zu tauchen, das auch die Gemälde von Watteau und Thomas Gainsborough erstrahlen ließ, nicht der Identifikation. Kubrick rekonstruiert die Vergangenheit als Vergangenheit. Er breitet eine chaotische und korrupte Epoche vor uns aus, damit wir sie durchschauen und sezieren können. Die Sentimentalität des historischen Dramas weicht einer Schönheit des Analytischen, deren Reichtum auch nach wiederholtem Sehen des Films nicht erschöpft ist. --Sascha Westphal

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Durchschnittliche Gesamt-Bewertung: 4.5 von 5.00 Punkten (Insgesamt 28 Bewertungen)

Realismus kann schön sein      5 von 5 Punkten
Kubrick erzählt hier eine Geschichte aus dem 18. Jhd. und ich wünsche mir, daß ab sofort alle Filme, die in der Vergangenheit spielen, mit dieser Genauigkeit inszeniert werden. Kein übermäßiger Pomp, keine typischen Fehler, wie ausgefahrene Feld- und Waldwege auf Fußpfaden oder hell erleuchtete Räume... Einfach groß! Auch die Art der Erzählung ist klassisch, die Einstellungsgrößen, die Kamerafahrten, alles nach alter Schule - aber in Perfektion á la Kubrick. Und hin und wieder leistet er sich den Luxus, alles anders zu machen, als es im Lehrbuch steht, und z.B. einen dramatischen Dialog nicht auflöst, sondern komplett in der Totalen stattfinden läßt. Hier wird nicht einfach "mit der Kamera" erzählt, hier befindet sich der Zuschauer auf einer Zwischenebene. Auch die Musik ist so gesetzt, daß nicht nur die Schnitte genau kommen, sondern ganze Handlungsabläufe und damit Ton, Bild und Text in einen selten so perfekten Kontext setzt.

Da Kubrick sämtliche Mantel- und Degenklischees vermeidet und auf die heute übliche "Dramatisierung von Nichts" verzichtet, wird der Film zu einer Zeitreise. Selbst in langen Totalen gibt es immer wieder spannende Dinge zu entdecken, und sei es die Schönheit der Natur oder die Schönheit der Bildkomposition. Mit der Geschichte von Barry Lyndon hat Kubrick außerdem eine Geschichte zur Hand, an der sich so ziemlich das komplette Leben zur damaligen Zeit abbilden läßt.
Diese Verfilmung ist also nicht nur ein "ausgebufftes" Filmkunstwerk, sondern auch als Portrait einer Epoche höchst wertvoll.

Der Vollständigkeit halber will ich erwähnen, daß sich sowjetische und auch DDR-Produktionen, so wie Kubrick, sehr peinlich genau an historische Vorgaben gehalten haben. Die von der Kritik immer wieder gelobte (und angeblich so seltene) Detailtreue ist tatsächlich nur westlich der Elbe als eine große Ausnahme anzusehen.

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